更新日期: 2007年1月27 周六 By: admin 更多

二次世界大战后的美国表现主义
在前面介绍了美国版画工作室的发展情况，在这同时，美国的现代版画也悄然出现了自己的风格。二次世界大战之前，世界美术的发展，多以法国以及欧洲为中心，大部分的画家及大师们都聚集在那里，使得20世纪前期，以法国为中心的各种画派的兴起，带来了前所未有的繁荣景象。到了二次世界大战期间，美术的发展并没有受到太大的影响，原因是许多画家都避居美国，在美国继续从事着艺术创作。随着这些大师们的到来，包括海特的“工作室17”迁居纽约，给予了美国的现代绘画和版画以莫大的影响。

首先最大的影响来自表现主义和超现实主义。希特勒的净化民族的政策，对犹太人的迫害、包豪斯学院被强迫关闭，包括克里、康定斯基在内的著名大师都移至他国避难。阿伯斯于是第一位来自包豪斯的画家，1931年到美国的北卡罗来纳州的黑山学院参与了教育的改革。1937年费宁格回到美国。格罗兹也来到美国并申请了永住权。夏加尔、恩斯特、马松、莱歇、坦吉、马塔以及布列顿等都来到了美国。他们把各自的艺术风格以及欧洲的所有的画派都带到了美国。这些画派在美国生根并得到继续发展，形成了抽象表现主义。

最主要的代表人物首推德库宁（Willem de Kooning 1904- ），他生于荷兰，12岁时边学习涂漆工边在当地的美术工艺学校学习，18岁进入百货公司的设计部门工作，受到蒙得里安的艺术和思想的影响，1924年去比利时学习绘画，1926年偷渡来到美国。一边创作同时也为了生计从事过涂漆工、设计、制作模型、壁画的制作负责人等，1940年加入了一个青年抽象画家小组，开始参加一些艺术活动。

整个40年代，德库宁在艺术上不断探索，从立体派的半抽象渐渐走向完全抽象，于1948年在纽约举办了第一次个展，引起很强的反响。之后，德库宁的艺术逐渐成熟，在参加了威尼斯双年展和圣保罗双年展后，代表作又获得芝加哥艺术协会奖，1952年以表现女性题材的系列《女人I》绘制完成。他在回忆这段事情时说道：“现在想想，用颜色如实地去描绘人像，简直就是傻子的举动。但当时去突然有一段时间，觉得不画出来才是更大的傻瓜。”德库宁在对自己的反省中，开始渐渐驱除画面上不必要的东西，包括构成、空间、光影、线、色、造型等，采用强烈的笔触绘制的6幅系列《女人》，画面上展开的是如即兴似的喷射出来的形象，充满着生命的张力，体现出一种强有力的绘画语言，奠定了他成为美国现代抽象表现主义代表人物的地位。

德库宁对于版画中能自由奔放地表现笔触的石版画非常热爱，创作了很多石版作品。但他的第一幅版画作品是1957年制作的铜版画《报复》，采用了腐蚀和飞尘的技法，这是一部为一个画廊所策划的《21幅腐蚀铜版画和诗》的组画所作的其中的一张，共印制了50幅。

另一位抽象表现主义的大师是克莱因（Franz Kline），版画作品不是很多，也有一张根据自己的素描制作的腐蚀刻线铜版画，收录在《21幅腐蚀铜版画和诗》里。之后，德库宁便开始了石版画的创作。

前面说到的海特把“工作室17”迁至纽约，并把他的“自动叙述法”，即任意自由刻线的铜版画方法和观念带到了美国，各地来的画家以及美国本土的画家都聚集到了海特的“工作室17”，这里简直成了艺术的中心。美国人波洛克尤其成了这里的常客。

波洛克（Jackson Pollock 1912-1956）的行动艺术，在美国抽象表现主义中与德库宁和克莱因并称三大巨人。波洛克战前与他的兄弟一起制作过一些版画，1942年在纽约马松和恩斯特的绘画展览中，波洛克已经听说了海特的“自动叙述法”观念。有人甚至指出波洛克在1942年的绘画作品和海特的回转形态相似。波洛克来到“工作室17”就似乎是一个很自然的事情了。1944年开始波洛克在“工作室17”学习并创作版画作品，从海特那里直接学到了自由刻线的铜版画方法。但波洛克的腐蚀铜版画却很少有人知道，直到波洛克1956年因车祸去世，他的遗霜才在“工作室17”的储藏室里发现了6幅这样的版画，其中有一张较大画面的试验作品，采用细线和腐蚀的技法，画面呈现出一种流动的感觉，体现了波洛克“行动艺术”的风格，也可以看到海特的影响。

弗朗西斯（Sam Francis 1923-1974）也是抽象表现主义中趋于行动派的画家。他二战中服过兵役，但在训练中负伤，而得以逃脱了奔赴战场的命运，在后方疗养的时期，开始对绘画产生了兴趣。二战结束后弗朗西斯开始进行美术学习，1948年进入加里弗尼亚大学美术系。1952年来到巴黎开展了一系列艺术活动，在巴黎期间，受到许多版画家的影响。1959年返回美国，开始了一些石版画的创作。

弗朗西斯1957年访问过日本，东方的水墨风格在他的脑海中留下了很深的印象，在他的作品中大胆的泼墨效果，使得画面潇洒奔放，多版套色而出现的鲜艳和稍许不协调的色彩，画面更呈现出一种华丽，大面积的沉重色彩，使他的作品比波洛克在构图上显得集中。代表作《白线》是一件强调欧美二战后抽象派差异的第一批版画作品，欧洲的抽象看似激烈，但在制作上精确严格，技法纯熟，画面中不乏带有生活的情调。而在美国出现的抽象表现，不拘束于形体和情节，所有的包括主题，都在作品完成后才得以出现，追求一种彻底的解放。弗朗西斯的版画作品有400幅左右，大部分作品与其绘画风格一致。

巴斯金（Leonard Baskin 1922- ）在1950年制作了一批比较大的木版画，他用三合板来制作，其中以一张《和平使者》为最有名，用雕刀刻出的具象人物，在抽象流行的当时，画风独具一格。这张作品以粗线和细线相穿插，强调了人物的轮廓和骨骼结构，表现了一个手捧着死去的和平鸽，站在铁丝网前，带着忧郁神情的老人形象。当时正值朝鲜战争，这张作品反映了巴斯金向往着和平的心情，也代表了当时许多美国以及世界上人们反战和祈求和平的愿望。巴斯金的这些大型木版画在1961年的圣保罗双年展上获得了大奖。

还有一位年轻的画家沙默斯（Carol Summers）也运用木版媒材，把木版画艺术带入了一个新的领域。以前受到木材尺寸的限制，木版作品都比较小。现代技术的发展，把木材做成合板，使得木版画大型化得以实现，并且产生了不弱于绘画的力量。沙默斯创造了油性拓印的技法，把纸张平放在刻好的版子上，用滚筒直接把颜色滚在纸上，再把稀释油剂用喷壶喷在纸上，使得纸上的颜色融化，滚筒的痕迹变得模糊，画面也产生了非常柔软的抒情感。这也有一些类似水墨中的渗墨，大尺寸给了这种渗墨以更充沛的空间。

波普艺术·美国的丝网版画和石版画
波普艺术被普遍认为最早产生于英国，在英国，许多知名的版画工作室积极推广丝网版画，并于1957年出现了专门的丝网工作室。著名美术评论家阿罗比也参与到这个潮流中来，与画家哈密尔登一同于1966年以玛丽莲·梦露的照片，创作了《我的玛丽莲》，之后又创作出《白色的圣诞之梦》，并被选用作为一个电影的镜头。这张作品在照片上又加之笔绘的痕迹，是很抒情的表现。

哈密尔登（Richard Hamilton 1922- ）出生在伦敦，是英国波普艺术的创始人，对美国的许多波普画家都有很大的影响。他在1934年至1938年间，白天从事广告设计工作，晚上去美术学校学习，并在皇家美术学院掌握了机械制图技术，后来一直在大学教书。

哈密尔登的作品经常是取自现代社会中的大众宣传物，如以拼贴的方式出现，作品中经常出现有电视、录音机等设备的室内情景，像报纸、海报、影像等的照片或镜头一样，把通俗的大众文化给予形象化地再构成，以追求一种传播媒材视觉语言。他对当时电影和杂志里，以及所有传播媒介推崇性感画面的趋势，非常反感，这构成了哈密尔登的波普基础。如把美人照片的乳房用硬币装饰掩盖起来，把健美杂志里的照片剪裁下来，让这些照片里的人手里拿着婴儿的棒棒糖，并在这个棒棒糖上，哈密尔登写有 [POP] 的字母，这就被视为波普艺术的开始。

这时美国的版画制作活动在快速进展，持有各种观念的画家层出不穷。这个运动很快就和波普联系到了一起，丝网版画的兴起，更促进了把传统的美术技法融入到商业中的尝试，在美国这一时期出现得最为显著。波普艺术就是为一般大众的流行艺术。以前艺术一直都是在上层社会的少数人之间流传，成了他们的奢侈品。进入和平安定的时代，人们的消费生活不断扩大，大批量生产在进行，形成了以新闻、杂志、电视为中心的新的大众文化体系。这里还包括漫画、商品标签、广告看板、电影等等，目不暇接地进入人们的眼帘，很自然地就出现了有意识地表现这种新型大众文化的波普艺术。适应与这种快速而大量印制的丝网技法，在1950年末从英国发起，60年代在美国盛行。丝网技法作为更进一步把现代版画推向普及的一个重要手段，在版画发展史上有着很大的功绩。

丝网版画是在木制或铝合金制的框子上，像绷油画布一样绷上有细小网纹的布，依照形象所需，制作出渗透与不渗透的部分，将油墨透过网布转印到纸张表面。早期多用绢，故也称“绢印”，现在多使用化学纤维的网布。制版方法大致有三种：一是采用剪纸，挖出漏洞；二是用胶涂塞网目；三是在网上涂上感光液，照相制版。

丝网的特性是能较容易地将颜色印制得很均匀，给版画更进一步扩展了可使用的材料。丝网作为商业的印刷术，多运用于玻璃、金属、塑料、陶瓷、布料等的工业印刷。作为艺术的丝网作品，人们所知道的是19世纪法国的斯唐兰所作的《坐着的猫》（制作年代不详）。20世纪初，英国有一些画家接触过丝网，但也都是为一些商品制作的标签和海报。美国以前也一直是运用于家具、手编植物品、墙纸等的花纹印刷。1929年发生的世界经济大萧条后，美国政府实行配给制，为了确保艺术家们的生活，1935年至1943年间，推出了联邦美术计划，设立广告·艺术部门，作为艺术家救济事业，政府收藏了石版画和丝网版画11000组共200000张作品。

联邦美术计划中，本·尚（Ben Shahn 1898-1969）是最有名的画家。他出生于俄罗斯的犹太人家庭，父亲是木匠，母亲的家庭是陶工出身。1906年举家迁居美国，15岁时为了生计，来到石版画工房学徒，但晚上坚持去夜校学习，并考上了纽约市立大学，又经国际设计学院等深造，后赴巴黎等欧洲国家学习，1930年回到美国举办了第一次个展，开始了他的艺术活动。

本·尚在1932年至1933年，曾经协助墨西哥画家里维拉为纽约制作过壁画，受到了墨西哥传统的影响，构成了本·尚后来的社会写实主义的风格。他的创作题材，多取自一些大的事件，尤其是对政治性的冤案等在社会上有很大影响的事件，以及贫困移民等一般民众的生活，以揭露世上的不公，把民众的感情向观者诉说。从1941年本·尚制作了他的第一张丝网版画开始，开始了把实用美术技法引进艺术领域的尝试。

本·尚的作品朴素且具有诗意，人物总是那么慈祥或带有一丝忧愁，有着叙事般抒情的线条，正是本·尚在丝网技法上的尝试。为了强调线的因素，他有时直接将自己的形象画在绢网上，为了衬托出线条，本·尚有时也先在纸上涂上颜色，然后再印。本·尚是第一位广泛运用丝网的画家，从这时开始，许多艺术家都试着丝网的制作了。

1950年杜尚、波洛克等也相继试着丝网版画的制作。但他们也只是接触一下而已。作为艺术品的丝网版画，更适合于简洁清晰的形象表现，广为大众所接受，在1960年之后得到广泛运用。

更大的影响是来自劳申伯格、琼斯等的出现。前面介绍过的石版画《意外事件》的作者劳申伯格（Robert Rauschenberg 1925- ）的出现，使得绘画在材料上进入了更多样的时代。他把报纸和照片以及实物等直接拼贴在作品中，然后再结合强劲的笔触，以达到破坏视觉平衡的效果，而超越了抽象表现主义的形式。劳申伯格在他的绘画作品里经常加入丝网或石版技法，在版画作品里又采用手绘。凡是可能实现的事情他都要尝试。1985年在中国的安徽，劳申伯格对宣纸也产生了很大的兴趣，以宣纸创作过一批作品。劳申伯格的挑战精神，把传统的纸和印刷在艺术领域里给予了很大的开拓。

劳申伯格在选择实物如照片和报纸时，往往有一个主题，例如当时反越战等与社会相关的事件，但在画面中并不将它们进行叙事性的组合，因而作品的构图显得比较散，这是劳申伯格为了留给观众以更大想象的余地。运用照片，他还制作了很多铜版画，劳申伯格与商业界共同研究出铜版的飞尘照片制版，使得照相制版得以更加精细。

前面也提到的1962年琼斯（Jasper Johns 1930- ）在环球版画工作室制作了他生平第一张版画作品《目标》后又制造了代表作《旗帜》。琼斯1930年出生在乔治亚州，1948年进入大学学习，1950年服兵役，1952年来到了纽约，用黄蜡和石膏等各种材料开始了创作。曾和劳申伯格为了生计而一起打过工。1957年参加了一个纽约第二代画家的联展而引起注目，1958年举办了第一次个展。和环球版画工作室的共同制作，使得琼斯的艺术历程非常顺利，在国际版画展中连续获奖，并在1988年的威尼斯双年展中代表美国赢得大奖。

1954年，琼斯开始脱离抽象表现主义和错觉艺术，选择了与现实有关的艺术表现。第一张这样的绘画作品就是《旗帜》，之后又创作了《数字》、《目标》、《罗马字》、《地图》等记号似的作品，虽有一些抽象的笔触，但琼斯说道：“例如我的作品常和旗帜有关，但也和笔触、色彩、颜料有着同样程度的关系。”石版画《旗帜》以及绘画的《旗帜》都是琼斯在平面上追求一种二度空间画面的稳定性，如何以艺术的角度来看人们非常熟悉的物体，使物体服从于媒材，所以，琼斯以旗帜作过很多的变化，以探求表现方法。琼斯的版画作品多是以他的绘画和装置作品为题材，但从这些作品可以看出并不是单纯的复制，版画也作为琼斯艺术表现的一种方法。

琼斯六七十年代继续在双子星版画工作室和塔玛林多石版画工作室两地制作石版画，尤其是在泰勒的双子星版画工作室，与泰勒一起对于版画的技法不断推陈出新。泰勒一直热心于扩展石版画的前景，他鼓励一流的画家来他的版画工作室，根据画家的要求不断改进设施，以达到最佳的表现效果。如为了琼斯的《彩色数字》系列，泰勒研制了一种在宽大的平面上印制光谱似的彩虹效果的技法；也为劳申伯格的纸浆艺术进行了许多新的尝试。

这一时期，琼斯和劳申伯格一起，在抽象表现主义里加进了日常生活中的题材，如利用可口可乐、帽子等制作的装置，渐渐转向了波普艺术。

李奇藤斯坦（Roy Lichtenstein 1923- ）可以说是波普艺术中最通俗易懂的画家了，他的大众化比当时任何一位画家都来得彻底。李奇藤坦的艺术观点是讲究艺术的形成，他似乎对于日常的物体并没有多大兴趣，而连环漫画，引起了他的共鸣。60年代，李奇藤斯坦开始采用漫画的风格创作绘画和版画，从大量的画面中挑选他喜爱的构图与格式，再将色彩、构造等方面加以变动，以黑色轮廓线加平涂色彩的形式出现，画面空间的处理，完全依靠斑点来调整，以达到画面的丰富和统一。漫画的故事情节已经被忽略，而突出其装饰的一面，也因为放大的画面更强调了漫画气势。

这种点线面的具有装饰味道的平涂效果，对于运用丝网版画是再适合不过的了。锐利的轮廓与均等的非常精确的小斑点，如果运用其他画种的技法是要下很大的精力才能达到的，而利用丝网的套版却轻易地就能把它表现出来。李奇藤斯坦对于石版画也进行了尝试，他在双子星版画工作室创作，在制版上，把自己的作品运用上了传统的纸版漏洞方式，转印到石版上，制作了很多石版画作品。

安迪·沃霍（Andy Warhol 1928-1987）父母是捷克移民，沃霍青年时代，以画插图为生，后来从事商品广告的设计，1957年以一个鞋的广告而获得艺术俱乐部奖。从1960年起，采用漫画、广告中的图样开始了油画的创作，早期的作品受到本·尚的影响，多用一些精细简练的线条来描绘。后来，李奇藤斯坦的这样有强烈特色的波普，给了沃霍很大的冲击，使其一改以前的画风，开始了运用鲜艳色彩以及日常生活中的题材。以可口可乐，坎贝尔·汤的罐头盒等人人皆知的日常商品进行加工创作，成为了沃霍的主要表现题材，引起了各界的关注。在《坎贝尔汤I》的作品中，排列在人们眼前的是10个看似相同，而标签不一，没有背景的罐头形象，丝网印制出的清晰造型、干净利落的平面色彩，暗示了大量商品和信息的互换所构成的缺少人情、没有个性的现代社会的形态。60年代初期，沃霍将商业中的照相丝网制版运用到了自己的绘画中来，以追求在油画布上制作并能大量生产的绘画，与此同时他也开始了丝网版画的创作，一举成为波普艺术的代表人物。

“谁都应该成为机器”这个概念成为了主导沃霍艺术的意念，他在自己的版画作品里，尽可能地减弱或消去自己的存在，所以他运用色彩变化以及套版中的错位等，使作品在视觉上造成一种不和谐的感觉，打破了传统版画概念审美观，同时对他自己的油画的风格也给予了很大的影响。

1962年开始，以肖像的写真为题材，用丝网印制在画布上，创作了一系列组画包括《玛丽莲·梦露》在内的作品，其他还有表现伊莉莎白·泰勒、肯尼迪、毛泽东等人的作品，呈现给观众的是不加任何主观因素的作品。以《玛丽莲·梦露》为代表的世界名人肖像，是沃霍最成功的作品，头像占据了整个画面，达一米左右，利用丝网所特有的网点效果，造成了具有一种抽象的感觉。尤其是《玛丽莲·梦露》这张作品，并没有运用多少梦露真实的形象，而多是一些唇膏、假发、眼影等等虚假的表面的元素，以体现梦露已失去了自己，成为大众的神化了的概念。

上面说到的丝网版画家们，同时也都制作了很多石版画。美国石版画的兴起要追溯到1950年末。没有受到战争直接伤害的美国，在经济上急速发展，艺术家渐渐被普遍接受，开始有人资助夏加尔、毕加索的石版画和铜版画，他们想要建立起当代的艺术市场，其中一部分人对美国的新艺术也感到时机成熟，已经在文章里出现过多次的塔玛林多石版画工作室、环球版画工作室和双子星版画工作室就是在这样的情况下，受到美国基金会的赞助而建立的。它们对美国的版画发展，起到了很大的影响。

达因就是在这时，开始了他石版画的创作。达因（Jim Dine 1935-？）是一位静物画家，但他似乎没有画过写生，人们印象中的那种放有花和花瓶的静物在他的作品里难以看见。达因说：描绘自然不如画头像有趣，看风景画不如看斗牛的作品更能激动。达因所描绘的都是日常生活中所能看到的物体，1959年达因在纽约的一所画廊里，第一次举办了个展，题为《微笑的技工》，他自己亲自进入现场表演，被称作是“行动·拼贴”，开始走向装置艺术。同时达因也开始画一些素描淡彩作品，描绘的对象是自己的睡衣、树木、头骨、张开的手、眼睛、门等等，各种物体都成了他表现的素材。

石版画使达因找到了他的素描淡彩的感觉，在60年代达因也以这些题材创作了石版画作品。在环球版画工作室里达因创作了《十一部分的自画像（红小马）》，画面里是一件睡衣形象，这个题材在后来也制作过木版画。睡衣代表着画家本人的一种存在，在各部分写有数字，表示这并不是单纯的睡衣，预示着一种超越性。达因自己也是一位诗人，所以他对物体的观察和表现，充满着人情。

罗森奎斯特（James Rosenquist 1933-？）在大学期间就利用暑假给设计公司画过露天广告牌，1957年他一边在学生艺术联盟学习素描一边从事广告设计师的工作。在50年代受过抽象表现主义影响的罗森奎斯特，进入60年代后，从自己的工作所接触的街头众多林立的巨大广告牌中受到了强烈的刺激，开始走向波普绘画。他的作品来自纯商业化的启发，广告中常用的拼贴构成，就是他创作的最大来源。

巨大的广告牌上被放大了的物体形象，当身在近处时，只能感觉到一个个局部的断片和色相，罗森奎斯特把这个感觉叫做视觉膨胀。利用这一效果，罗森奎斯特把不同的被放大了的形象组合在一起，于是就出现了高3米，长26米的巨幅作品：充满整个画面的是一架军用战斗机，中间被轮胎、电灯泡、吹风机、儿童的头、原子弹的蘑菇云、太阳伞、潜水员、意大利面条……等不相干的形象切断，这件可称为世界最大的波普绘画，题为《F111》于1965年完成，罗森奎斯特就这幅作品说道“把为战争而不惜用人民的税金去制造的战斗机描绘在作品里，是为了让我们再次去要回失去的东西”，罗森奎斯特想通过作品向人们表达反战与和平的愿望。

罗森奎斯特从60年代中期开始版画的创作，主要是石版画，也作过一些丝网版画，最早的作品是在环球版画工作室里制作的石版画。他试图打破以往的各种规矩，用油漆喷笔和刷墙壁的图案滚筒来做各种实验，在《F111》等一些大型作品中，罗森奎斯特都运用了石版画和丝网版画的技法。以后，罗森奎斯特制作的版画有250多幅，有单幅的大型套色，也有系列的小尺寸作品，除了石版画和丝网版画以外，还有铜版画。

印第安纳（Robert Indiana 1928-？）在波普艺术家里又是另外一种风格，他的作品以一些文字的构成组合，具有很强的装饰性。在以前或当时都有许多画家在作品中运用了文字来表现，字体的造型本身传达了一种庄重严肃的印象，但印第安纳把这些文字再一次地组织在一起，广泛传播，人们从这些造型抽象的文字中，得到的往往是具象的感觉。印第安纳最著名的作品是《LOVE》，把“LOVE”四个字母安排在正文形的构图内，同一浅色调的字母连成一体，把背景分割成各种形状，每一个形状里涂上不同的鲜艳明亮的颜色，首先映入人们眼里的往往是背景的色彩形象，如同一些商标的排列，顺着这些“商标”的轮廓线才寻找到字体的形象，如同在玩文字的游戏，带有一丝幽默感。印第安纳自己也利用丝网版画的特性，改变不同的色彩。《LOVE》广受欢迎，被翻印成商业的广告，制作成各种礼品流传世界各地，也被放大制作成雕塑，于1973年被美国官方印制成邮票发行，《LOVE》这件作品成为了“爱”的代名词，也远远超越了“爱”这个含义。

波普艺术，打破了20世纪初以来，依赖非具象表现的意识、远离现实、脱离民众的现象，把人们最熟悉、最平凡的日常生活物品，通过版画这个传统的大众传播手段，来引起人们对于事物本身原有概念的再思考。

80年代的革新
在文化得到广泛推广的时代，没有任何说明，也没有什么质量的保证，光签上名就完成的艺术作品，已经渐渐失去了它的意义。战后20年间形成的抽象表现主义版画，显示了美国画家们的巨大的努力，可这种努力与欧洲的从传统中发展来的抽象表现主义的丰富经验相论的话还是无法相比。但在美国和英国产生的波普艺术家们所具有的独特的造型和思想，对于原色色彩的意识等一些观念，给予了人们很深的思考。1980年开始，经过了抽象表现主义的全盛期，波普——美国的现代艺术迎来了全面发展的时期。越来越多的画家在研究和追求各种各样的风格和技法以及作品中的艺术哲学，去打动人们。在这样的发展下，版画也发生了一些变化。

造型上与以前没有太大的变化，但对于版画的技术方面的要求不断严格，版画的概念意识进一步扩大，画家和印工之间的关系更加紧密。以前画家的作品往往是只画出原稿，交给工房制作，这些版画作品也只是一种复制品，缺少版画所具有的偶然效果。这一时期，画家们在讲述自己的工作时，都经常提到了印工们的作用，画家和印工的交流被越来越重视，画家们已经意识到了掌握版画的制作过程对于自己版画创作的影响。

铜版机等设备的大型化、新的制版技术的发明和改良、工业技术在艺术里的广泛运用、版画颜料的不断更新和专业化，版画作为一种独特的艺术在形成自己的位置。版画在不断地向绘画靠近，更大更丰富的表现成为画家们的追求，装饰在境框里的版画作品已不能满足画家们的欲望，如弗兰克·斯太拉把作品做成立体的作品，表示对镜框的拒绝。李奇藤斯坦对于将自己的作品作为壁纸生产而快乐无比。

80年代还出现了“appropriation”意为“引用”这个语言，原指把别人的话“引用”过来，在艺术里“引用”别人的作品就等同于“模仿”或“盗用”，似乎是不大体面的一个词。毕加索就直接“引用”了琼斯的《四季》里的描绘；还有许多画家“引用”了毕加索的造型，或者简直就可以说在模仿；霍克尼两次借用过斯太拉的作品中的形象，其中的一次是在斯太拉推出新的理论之后的行为；李奇藤斯坦借用过德国表现主义的绘画形象；劳申伯格也模仿过贝里尼的小品绘画等等。“appropriation（引用）”在这里，已经不是“模仿”或“盗用”所具有的贬义，而是一种“点晴”或是“发扬”，从别人作品中的造型或书籍中的理论得到灵感，在被“借用”后，这些“造型”和“理论”延伸到了一个新的境界。还有引用了未成熟的作品中的形象，也可以理解成是一种“挖掘”。经过“appropriation”，产生出更多的概念，也是20世纪艺术多样化的观念。

毕加索可以说影响了20世纪的整个美术，1982年曾出版了关于受到毕加索立体派影响的画家的画册。霍克尼1976年模仿毕加索的风格，制作了以《蓝色吉他》为题的系列版画，在他自己的绘画和版画作品中，也借用了许多毕加索晚年的造型；琼斯在描绘自己的一些作品中，也受到了毕加索很大的影响；斯太拉受到毕加索立体派造型的启发，运用在很多自己的作品里；达因也从不同的方面得到立体派的启发，而创造了新的造型。

这里再介绍几位现代版画家。斯太拉（Frank Stella 1936- ）出生在马萨斯州，1950年开始就读于菲力普斯学院和普林斯顿大学，在学习历史专业的同时，对绘画产生了兴趣，经常光顾美术馆和画廊，受到了抽象表现主义的影响。1958年在琼斯的个展画廊里，《目标》、《旗帜》等系列作品，给了他很深的印象，创作了《黑色系列》作品。

1967年在泰勒的双子星版画工作室里制作了他的第一批石版画《波斯之星》的三幅系列彩色版画《黑色系列Ⅰ》10幅和《黑色系列Ⅱ》的8幅版画作品。之后所有的版画作品几乎都是与他的绘画采用同一形式。版画对于斯太拉来说，一方面作为解决绘画中的一些问题和他的各种想法的试制，更是斯太拉的绘画形式的展开。斯太拉说道：“主题并不是重要的，作品在不同人的眼里，有不同的感觉，每一个人对绘画的理解是不一样的。人类是非常主观的。我只把作品作为一种物质，追求其存在感，制作强有力的作品。” 斯太拉的作品多以平行带状的几何图案构成，使画面和墙壁营造出一种空间，体现其节奏和张力。

斯太拉的大型版画作品与版画工作室共同制作，以追求和绘画、雕塑同等的气势，这种大型的绘画空间，也是泰勒所追求的，泰勒说服斯太拉开始从事版画的创作，并一直把斯太拉作为自己对于版画发展的重要的展开对象。2.3m高，7m长的《泉》的作品，由三面构成的立体木版画，泰勒专门为这幅作品新置了大型平压机，以探求版画表现的极限。

《世界版画史》节选：
第十六章 版印和制版的展开·版画工作室

第十七章 艺术中心的转移·美国现代版画的发展

第十八章 意识的演变·20世纪现代版画在世界各地的展开

第二十一章 版画表现应有的位置

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